Ferrer Pizarro, Selimbašić, Zabinski

La mostra riunisce i dipinti di un eterogeneo gruppo di tre artiste: Ximena Ferrer Pizarro (Perù, 1994), con base a Berlino; Adelisa Selimbašić (Italia–Bosnia, 1996), residente a New York; e Scout Zabinski (USA, 1997), originaria del New Jersey e con base a Los Angeles. Provenienti da territori e paesaggi umani differenti, queste artiste condividono la lucidità critica della loro generazione, con consapevolezza e sicurezza di sé. Le loro composizioni visive, profondamente diverse tra loro, riflettono il mondo contemporaneo occidentale/occidentalizzato secondo le loro soggettività e le loro esperienze personali e sociali, che spaziano dal clubbing al ritiro, fino all’esperienza della migrazione, tra molte altre.
Il tema dell’immigrazione e degli scontri culturali emerge in particolare nel lavoro di Ximena Ferrer Pizarro. I suoi dipinti ricordano figure da cartone animato caricaturali inserite in situazioni umoristiche, rumorose e kitsch, ricche di critica sociale. Come ragazza latina arrivata in Europa per studiare arte, le sue opere commentano le proprie esperienze migratorie e la percezione di come lo sguardo del colonizzatore abbia creato un’eredità di frustrazione e svalutazione di quel presunto “altro”. Il desiderio di un corpo magro e di capelli biondi, lontani dal fenotipo latinoamericano più comune, è uno dei temi che l’artista dipinge con colori forti e pennellate non naturalistiche, intrise di sarcasmo e ironia. I suoi dipinti raffigurano la cultura pop e la vita delle persone che lavorano e che hanno imparato a sopravvivere agli abusi di potere e allo sfruttamento, celebrando allo stesso tempo una vita piena di musica e, naturalmente, di dramma. Ximena trasmette la vitalità del Sud globale, affermando se stessa per adattarsi e allo stesso tempo traboccare dai rigidi, talvolta soffocanti, protocolli del Nord.
I dipinti di Adelisa Selimbašić, invece, raffigurano corpi senza volto in inquadrature molto intime, evocando un’atmosfera molto meno rumorosa. Le sue figure umane, di età indefinita e talvolta di genere ambiguo, sono create con colori morbidi e con una tale prossimità che il figurativo può arrivare a sfiorare l’astrazione. Per lei è importante il modo in cui le persone percepiscono se stesse attraverso i corpi raffigurati, con piercing o tatuaggi, nudi o con pochi abiti casual, in posture rilassate. In generale, i suoi modelli sono amici, persone incontrate brevemente, o persino immagini trovate su internet e ritratte con il permesso. Le sue composizioni in formato fotografico richiamano le piattaforme dei social media e creano una falsa atmosfera di intimità, rendendo evidente una prospettiva generazionale. Esplora i suoi soggetti attraverso uno sguardo distaccato che esamina e dipinge nel dettaglio il corpo-oggetto, mantenendo però una distanza sicura. E sebbene sia possibile percepire erotismo, celebrazione e desiderio in queste scene quiete, dietro di esse si avverte anche un silenzio vibrante. Adelisa non ricorre principalmente all’autorappresentazione e i temi dei suoi dipinti trasmettono fantasia e desiderio senza giudizi.
Infine, Scout Zabinski presenta un gruppo di opere apparentemente autoreferenziali in cui la sua immagine nuda è centrale. Tuttavia, l’artista non ci permette di conoscerla davvero, né come soggetto né come suo doppio. Anche se potrebbe sembrare un esercizio narcisistico, la sua arte va oltre i luoghi comuni delle proposte biografiche. Scout è un’artista autodidatta e desidera che la sua arte riguardi l’esperienza collettiva e qualsiasi emozione possa suscitare negli altri: “Avevo bisogno di una figura da dipingere, così ho dipinto me stessa. Ogni donna a un certo punto lotta con il collegare il proprio spirito al proprio corpo e con il modo in cui questo influisce sulla propria immagine di sé e sul proprio lavoro, ma non è davvero questo il tema del mio lavoro. Penso semplicemente che la figura femminile sia una delle cose più belle del mondo. Il corpo femminile è un archetipo a sé.”¹ Trae ispirazione dalla storia dell’arte occidentale, dagli studi di filosofia, dal femminismo postcoloniale, dalla letteratura e da altri ambiti. Attraverso i suoi dipinti, riprende operazioni e generi artistici come i ready-made, la natura morta e il ritratto. Posa per le proprie opere per essere “il più vulnerabile e crudo possibile”, permettendo allo spettatore di sentirsi leggermente a disagio di fronte a tale intimità. La sua visione del fare arte è impegnata e franca: “Credo di dipingere perché voglio crescere. L’arte mi ha salvata dal morire da adolescente. La mia identità è così profondamente assorbita da ciò che creo che non so dove o cosa sarei senza di essa. È diventata questo strano processo di immortalizzazione che allo stesso tempo mi incuriosisce e mi terrorizza.”
Lontane dal presentare opere simili, queste artiste sono come croniste del loro tempo e del loro contesto sociale. Le loro scene riflettono orgoglio e scetticismo su questioni importanti per le donne contemporanee, come l’autonomia, le scelte di vita affermative, l’uguaglianza di genere, la cura di sé, la guarigione dal trauma e altro ancora. I dipinti di questa mostra abbracciano la bellezza di ogni corpo e alcune composizioni apparentemente armoniose sono in realtà il risultato di percezioni disturbanti del mondo.
Senza appartenere necessariamente a uno specifico movimento ideologico o politico nelle arti, offrono visioni politicizzate, consapevoli del declino del patriarcato così come lo conosciamo, che indicano la fine di un’epoca. Così, queste artiste presentano e rappresentano il corpo e l’erotismo, la messa in discussione dei modelli sociali e persino la rabbia, senza timore delle umiliazioni che storicamente hanno giudicato gli atti femminili meno convenzionali. Le figure e le situazioni da loro rappresentate esprimono con orgoglio le proprie regole come donne emancipate, sia nel mondo reale sia nel mondo fittizio dell’arte.

Testo di Daniela Labra